NACIDOS EN EL BURDEL: una historia por contar

El mundo está rodeado de discriminación sea por raza, color, estrato socioeconómico, edad, etc. Pero en el documental titulado Nacidos en el Burdel notamos segregación contra los niños hijos de prostitutas.

85 minutos de proyección fílmica bastan para comprender la situación que viven los habitantes del Distrito Rojo en Calcuta, India. Esta zona es denominada como prohibida y quizás hasta pecaminosa, ya que la prostitución es un delito en esta parte del mundo.

Este documental dirigido por Ross Kauffman y Zana Briski nos hace testigos de una verdad imperante y dominante en la sociedad: ejercer la prostitución como tradición en medio de un entorno en el que se trabaja desde pequeño y se vende el cuerpo como objeto sexual desde muy temprana edad.

En un principio, este documental relataría el día a día en el Distrito Rojo. Pero la interacción entre las directoras y los hijos de las prostitutas del burdel hizo que ellas cambiaran la historia y centraran el proyecto sobre la vida de los infantes.

Zana Briski y su compañera de trabajo descubrieron que la fotografía despertaba curiosidad en los niños. Por esta razón, ellas decidieron enseñarles este arte para que descubrieran una herramienta que les permitiera construir un futuro distinto al que les esperaba: uno en el que la prostitución se ejerce desde los 12 años, y en el que vender drogas o alcohol era algo cotidiano. Y fue precisamente este hecho el que hizo que el proyecto cambiara: la vida del burdel pasó a un segundo plano siendo más importante ubicar como protagonistas a los niños del Distrito Rojo.

Son muchas las fotos tomadas por los niños y en ellas se retratan sus sueños y la resignación con la que afrontan el mundo en el que viven. La pobreza es predominante, el mal trato en muchos casos es desesperante y la aceptación por parte de los esposos para que sus parejas se prostituyan es insoportable.

Las fotos fijas, los testimonios de los niños y de sus padres o familiares se intercalan con las imágenes en movimiento de la cámara participante. Es tal su papel que permite al espectador sentirse un protagonista más del documental.

Pero el papel de Briski y Kauffman no terminó ahí: su propósito era el de sacarlos de ese mundo tan oscuro y baldío y para lograrlo debían matricularlos en escuelas o internados para que empezaran a estudiar. Pero en India, para que ellos puedan estudiar no pueden ser hijos de delincuentes o criminales, clasificación en la que encaja la prostitución, la venta de drogas y alcohol.

La legalización de las matrículas fue muy complicada ya que se requerían los documentos de los niños y pruebas médicas, especialmente la de Elisa para comprobar que no eran portadores de VIH-SIDA. Después de mucho luchar, algunos ingresaron a la escuela mientras otros desertaron por voluntad propia o por sus padres.

Entonces, a partir de este documental podemos decir que NACIDOS EN EL BURDEL tiene un valor social incalculable ya que el cine posee el poder de transformar la vida de sus protagonistas y la de sus espectadores.

“PERRO COME PERRO”: UN FILME CON MÁS QUE SABUESOS

El Diccionario de la Real Academia Española da muchos significados al referirse a la palabra ‘perro’, por ejemplo: “Mamífero doméstico de la familia de los Cánidos, de tamaño, forma y pelaje muy diversos, según las razas. Tiene olfato muy fino y es inteligente y muy leal al hombre”; “Persona despreciable”; “Mal o daño que se ocasiona a alguien al engañarle en un acuerdo o pacto”; “Hombre tenaz, firme y constante en alguna opinión o empresa”; etc.

Después de observar el largometraje titulado “Perro come Perro”, creado en 2008 por el director caleño Carlos Moreno, podemos afirmar que al momento de su elaboración se tuvieron en cuenta los conceptos anteriormente mencionados, ya que encontramos canes, hombres infames, traición y personajes que se apoderan de la palabra sin importar las consecuencias que con ellas ocasione.

Esta historia gira entorno de la venganza, la brujería, la ambición, el humor negro, la religión, la violencia y la apatía por la vida humana. Víctor Peñaranda (Marlon Moreno) y Eusebio Benítez (Óscar Borja) están sometidos a las ordenanzas de ‘El Orejón’ (Blas Jaramillo Q.E.P.D.), un poderoso que desea, por medio de la brujería, vengar la muerte de su ahijado William Medina y de paso, recuperar un montoncito de dólares que se le han perdido. Es en este momento en el que se desatan las peores acciones: matan sin parar a quienes tengan algo que ver con el tema, la motosierra y las balas son los juguetes preferidos para estos matones de ciudad, la amistad se transforma en traición cuando se trata de dinero y más si son billetes verdes, entre otros.

Lo más importante es que “Perro come Perro” no pretende entretener a su espectador; con sus escenas desea mostrarle al mundo la realidad que se vive en Colombia, especialmente la indolencia que poseen sus habitantes.

La película posee una estructura narrativa y rítmica. Además, es claro que desde el principio se vislumbra el final del film; pero es su estilo frío, insensible y sangriento lo que la hace admirable y coherente, ya que produce en el espectador una sensación de horror y desconcierto total por lo que está viendo.

Incluso, los bruscos movimientos de cámara, acompañados de largos planos fijos hacen de sus escenas algo interesante e impactante.

De la banda sonora se han encargado varias agrupaciones colombianas, entre ellas figuran Superlitio (creó la canción titulada con el nombre del film), La Mojarra Electrónica, Sultana, la Universidad del Pacífico, y otras.

Santiago de Cali fue el lugar escogido para la grabación de la película. Por esta razón, sus actores tuvieron que visitar las calles, los barrios populares, los bares, las plazas tradiciones y los lugares más peligrosos de la ciudad, todo con el fin de recrear la realidad social que vivimos.

Sin embargo, “Perro come Perro” está conformada por un ambiente muy universal ya que sus imágenes no retratan solamente a su ciudad de origen, sino que permiten ubicar al espectador en cualquier ciudad del mundo en la que se mate por saber o no, en la que la violencia brota como el agua de los tubos y en la que la ambición se convierte en el enemigo de la amistad.

Según información encontrada en Internet, la película costó un millón de dólares y el 90 por ciento de su financiación estuvo a cargo de la empresa privada de Cali.

Ahora, viene el interrogante final: ¿Quién será el más perro en la película? Por favor responderla después de verla.

“LOS DIENTES DEL DIABLO” O “LOS SALVAJES INOCENTES”: NOMBRES DIFERENTES PARA UN SÓLO FILME

El ser humano se ha caracterizado por explorar hasta los más remotos lugares del mundo. De norte a sur y de este a oeste ha sido pisado; tanto así, que ni los cascos polares se han salvado de tan inquieto ser.

Según el Diccionario de la Real Academia Española, esquimal es el pueblo de raza mongólica que, en pequeños grupos dispersos, habita la margen ártica de América del Norte, de Groenlandia y de Asia. También se le denomina esquimal al individuo que forma este pueblo.

Este término parece ser de origen algonquino[1] que significa “devoradores de carne cruda”. La palabra esquimal (eskimo en inglés) ha caído en desuso en Canadá, donde actualmente se utiliza la palabra inuit. El singular es inuk que significa “hombre” o “persona”.[2]

“Los Dientes del Diablo” o “Los Salvajes Inocentes” son los nombres con los que se conoce el filme creado, en el año de 1959, por el Director estadounidense Nicholas Ray.[3]

Esta historia es protagonizada por Inuk, un esquimal que comparte las mujeres de otros para “reír” ya que él no posee una propia. Con el tiempo encuentra esposa y tienen un hijo. A parte de ser un buen cazador, sólo mataba las focas y osos necesarios para alimentarse junto con su nueva familia. Un día se enteró que los hombres blancos daban rifles, herramienta que facilitaría la caza, a cambio de las pieles de zorro. Desde entonces, Inuk se dedicó a conseguir las pieles solicitadas. Posteriormente, él entró en contacto con el hombre blanco para que le entregara un rifle y desde entonces, empieza el choque cultural entre el ser “civilizado” con el esquimal.

Es en este momento donde inicia el nudo de la película, el cual es utilizado por Nicholas Ray para hacer una crítica contra el declive moral del hombre civilizado, ya que este impone sus reglas sobre las costumbres y creencias de otros humanos sin importar quienes son y qué pasado conservan. Por ello, esta película es considerada como un canto hermoso a la libertad y a la tolerancia.

Desafortunadamente, parte del material original de la película se perdió en un accidente que sufrió la avioneta que lo transportaba. Por esta razón se encuentran escenas filmadas en estudio; aunque estas se diferencian de las originales, no se genera una ruptura en la historia.

Además, la voz en off (interpretada por Peter O’Toole) nos explica algunas de las extrañas costumbres que poseen los habitantes de la zona ártica, dándole al filme un toque antropológico y documental.

Finalmente, Nicholas Ray cumple con su prometido: mostrarnos el ártico desde su perspectiva, en el que los iglús, los icebergs, los trineos, las pieles, las focas, los osos polares, las ventiscas glaciales y las grandes llanuras congeladas son las características esenciales para identificar a quienes comen carne cruda en las zonas heladas del mundo.

[1] Se dice de los individuos de numerosas tribus de indios que se extendían por el Canadá y los Estados Unidos. //Cada una de las lenguas habladas por los indios algonquinos. Información suministrada por el Diccionario de la Real Academia Española.
[2] Información suministrada en http://es.wikipedia.org/wiki/Inuit
[3] Su verdadero nombre es Raymond Nicholas Kienzle. Información suministrada por http://es.wikipedia.org/wiki/Nicholas_Ray

IBAGUÉ EN FLOR: “COMUNICACIÓN Y LITERATURA”

La florescencia de ocobos, chicalás, cámbulos y gualandayes fueron testigos de las maravillas pronunciadas, por aquellos espíritus poéticos que se hicieron partícipes, en la celebración del Encuentro Nacional de Poesía y Narrativa: Ibagué en Flor 2008.

Los poetas Juan Manuel Roca, William Ospina, José Luis Díaz- Granados, Eduardo Gómez Patarroyo, Juan Nicolás Padrón (Cubano) y Marcela Cingolani (Argentina), cubrieron las mentes y los pensamientos de sus oyentes.

Los versos líricos y sentimentales penetraron los rincones de la Ciudad Musical de Colombia, llenándolos (por instantes) de pétalos rosas y de ilusiones a full color.

Es posible que queramos tener aquellas estrofas plasmadas en el papel, con el fin de leerlas para volar entre las nubes como lo hicimos el día que las escuchamos por primera vez.

Y es que los libros son palabras que no se lleva el viento. Son retazos del tiempo que se unen para expresarle algo al mundo. El escritor se transforma en un comunicador porque expone sus ideales sin importar la época y las ideologías del posible lector.

En la edición número 33 de la Revista Electrónica Razón y Palabra, se da la unión de dos temas: la comunicación y la creación literaria. Ellos consideran que uno es parte del otro; que el acto de creación guarda la semilla del acto comunicativo:”un texto se escribe no para ser leído en primera intención, sino por una necesidad inherente de querer decir, de querer comunicar”.[1]

La creación encuentra su complemento en el acto de leer. “En cuanto la escritura se convierte en lectura la significación se dispara: ocurre un proceso incomprensible de comunicación en el que no sólo están interviniendo el autor, el lector y la obra, sino que existen dimensiones, referencias, experiencias, sentidos, significados, símbolos...”[2]

Pero esto tiende a desvanecer cuando los libros se transforman en mercancía: si quiero conocer el pensamiento y, en general, la invención escrita de un literato, debo comprarlo.

La lectura pasa de ser libre a comercial. Las propagandas publicitarias se adueñan de su imagen y la saturan de colores, párrafos, canciones y demás estrategias para que el individuo social lo adquiera.

La voluntad de leer es ahora una necesidad de mercado. Ya no se lee por gusto propio sino por insinuación de los medios masivos de comunicación.

Lo que no se promociona, no se vende. Esa es la ley de los medios. Quien no está en los medios, no es nada.

Por tal razón, la lectura, la literatura, la poesía, y todo lo que reencarne la pasión por soñar y liberarse entre frases y versos, está muriendo.

No caigamos en la tentación. Leamos por pasión y no por convencimiento de la televisión, la radio, la prensa o el internet. Apoyando eventos como el Encuentro Nacional de Poesía y Narrativa: Ibagué en Flor 2008, podremos salvar y revivir a aquellas almas poéticas que con sus versos y odas nos llenas de pétalos rosas y de ilusiones a full color.

[1] http://www.cem.itesm.mx/dacs/publicaciones/logos/anteriores/n33/index.html

[2] http://www.cem.itesm.mx/dacs/publicaciones/logos/anteriores/n33/intro.html

POWAQQATSI: “Vida en transformación”

Noventa y ocho minutos de proyección fílmica son suficientes para impactar al espectador. Powaqqatsi, segunda parte de la trilogía documental del director Godfrey Reggio[1], se caracteriza por no poseer diálogos, sub-títulos o voz en off; esto hace del filme una obra inquietante, única y espectacular.

Las imágenes que componen a Powaqqatsi hablan por sí solas: un mundo primitivo, agrícola, ganadero y minero que es explotado por y para la supervivencia del ser; el esfuerzo del hombre por convertirse en humano y no en máquina; el consumo de unos por el bienestar de otros; la diversidad cultural; las diferentes manifestaciones religiosas existentes; el contraste de la vida moderna entre continentes, donde los países del primer mundo poseen tecnología superior, con la que alienan y no liberan; etc.

La musicalización, brindada por Philip Glass[2], es el principal acompañante de tan expresivas iconografías. Son 18 las canciones creadas por este músico minimalista, recopiladas en un Cd titulado con el nombre del filme, para recrear las ilustraciones presentadas en el transcurso de Powaqqatsi.

Son los movimientos de cámara los que hipnotizan al espectador: Godfrey Reggio impactó con el uso acelerado de las imágenes en Koyaanisqatsi. Pero, en Powaqqatsi, los primeros planos (tomados con largos teleobjetivos) se llevan la admiración, ya que estos absorben hasta los más mínimos detalles del personaje en acción: las emociones están a flor de piel y el asistente se limita a observar y a sentir.

Quién mejor que Reggio para afirmar que Powaqqatsi “es una impresión, un examen sobre cómo la vida está cambiando. Eso es todo. Existe lo bueno y lo malo. Lo que perseguimos capturar es nuestra unanimidad como cultura global. La mayoría de nosotros tendemos a olvidar esto, atrapados como estamos en nuestras trayectorias separadas. Fue fascinante mezclar estas diferentes existencias juntas en una película”[3].

Es un documental, pero también es un mensaje a la razón y a la transformación de nuestras vidas. Hay que comprender que el mundo cambia; pero, por esta razón, no podemos olvidar nuestro origen y lo que somos.

[1] Nacido en New Orleans, Louisiana, el 29 de marzo de 1940. Es un director de cine estadounidense de películas documentales experimentales. Su trabajo más conocido es la Qatsi Trilogy, que incluye los filmes documentales Koyaanisqatsi, Powaqqatsi y Naqoyqatsi. Reggio ha pasado casi cuarenta años de su vida apartado de la cotidianidad: diseñando documentales con claro mensaje tecnológico-social; ha estado involucrado en causas políticas progresistas en EE UU entre las que se pueden encontrar el American Civil Liberties Union. Investigado en: http://es.wikipedia.org/wiki/Godfrey_Reggio
[2] Nacido en Baltimore, el 31 de enero de 1937. Es un compositor estadounidense de música minimalista (tendencia a reducir a lo esencial). Consultado en http://es.wikipedia.org/wiki/Philip_Glass
[3] Encontrado en http://www.terra.org/articulos/art00947.html

LAS RAZONES DE LA GUERRA: una excusa más para pelear

“La guerra es la forma de conflicto más grave entre tribus, pueblos o estados. Es quizás la más vieja de las relaciones internacionales. Supone el enfrentamiento organizado de grupos humanos armados, con el propósito de controlar recursos naturales y/o humanos, o el desarme, sometimiento y, en su caso, destrucción del enemigo, y se producen por múltiples causas, entre las que suelen estar el mantenimiento o el cambio de relaciones de poder, dirimir disputas económicas o territoriales”[1].

Según Karl von Clausewitz[2], la guerra es “la continuación de la política por otros medio”.

La ‘industria de la guerra’ fue un término acuñado por Dwight D. Eisenhowe, ex presidente de los Estados Unidos, para referirse al apoderamiento, compra y manejo de material armado.

Él mismo, antes de su retiro de la presidencia de los Estados Unidos, advirtió sobre los peligros generados por la ‘industria de la guerra’, diciendo lo siguiente: “Debemos permanecer vigilantes contra el aumento injustificado, ya sea deseado o no deseado, de la influencia que ejerce el complejo industrial militar”.

Con el documental titulado “Las razones de la guerra”, del cineasta E. Jarecki, se pretende crear un lazo de unión entre la compleja relación de los Estados Unidos con los conflictos bélicos que se han presentado, y se presentan, en el planeta.

Entrevistas detalladas y extensas con personal militar y ex cargos de la CIA, hacen parte del filme. Además, declaraciones de personalidades políticas como John McCain y el ideológo neocon[3] Richard Perle.

Igualmente, se pone en escena el término ‘guerra’ como negocio, adheriendose a él, un ideal capitalista, propio de las mentes militares.

Esta historia de cómo Estados Unidos ha pasado de ser, en palabras de John McCain, “de una fuerza del bien a una fuerza imperialista”, está conjuntamente alimentada por testimonios personales e historias íntimas de los pilotos que soltaron la primera bomba sobre Bagdad en 2003, el padre de una víctima del 11 de septiembre (que pidió se colocara el nombre de su hijo muerto en un misil lanzado sobre Irak) y militares de alta graduación que se han retirado de el pentágono por sentirse manipulados por la agenda neocon.

Esto lleva a pensar que el atentado del 11 de septiembre de 2001 fue tomado como una excusa más para iniciar la ‘invasión’ en Irak; testimonio de esto es el filme llamado “La Batalla de Hadiza”, creado por el director Nick Broomfield en 2007.

Por lo general, cuando se desata una guerra en algún lugar del planeta, los Estados Unidos se encuentran allí: supuestamente, prestando sus servicios como aliado a uno de los dos o más bandos enfrentados en ese momento.

Y lo peor,es saber que muchas de las guerras que se han vivido en el mundo tienen como orígen beneficios económicos, políticos y territoriales para un estado que no se conforma con lo que tiene; por el contrario, desea arrebatar a toda costa lo poco que otros poseen. Seguramente, los Estados Unidos creen que convirtiéndose en imperio podrán tener al mundo a sus pies.

Es injusto pensar que, muchos de los muertos que han existido en el transcurrir de la historia, lo han sido a costa de intereses imperiales: entre más guerras alla, más invasiones y bienes puede lograr los Estados Unidos como asociado en el conflicto.

El filme “Las razones de la guerra” es más que eso. Muestra un escalofriante panorama donde los intereses políticos, económicos, corporativos y militares se hacen uno por medio del negocio de la guerra.

Es por esto y por muchas razones más, que deseo se acabe la guerra; es ella la causante de muertes, desalojos, atentados, etc. en el mundo. Si tuviera las herrmientas necesarias para terminarla, lo haría.

[1] Concepto consultado en el link http://es.wikipedia.org/wiki/Conflicto_armado
[2] Militar prusiano, uno de los más influyentes historiadores y teóricos de la ciencia militar moderna. Para más información, visitar el link http://es.wikipedia.org/wiki/Karl_von_Clausewitz
[3] Se le considera como un movimiento político surgido como reacción al liberalismo y a las ideas de la contracultura de izquiera de la década de 1960. El neoconservadurismo es una ideología marcada por los objetivos políticos e ideas de los “nuevos conservadores” en Estados Unidos. La novedad respecto al clásico conservadurismo estadounidense consiste en que es una nueva oleada del pensamiento y organización política conservadores. Para más información, visitar el link http://es.wikipedia.org/wiki/Neoconservadurismo

JUSTOS PAGAN POR PECADORES: BATALLA DE HADIZA

Inician 93 minutos de proyección fílmica: ante mis ojos se muestran las imborrables imágenes de dolor, sangre, desilusión y muerte de los muchos habitantes (nativos y extranjeros) que posee Irak.

Son tan reales las escenas de esta película, que me hacen sentir como si fuera una integrantes más de la situación. Pero, no estoy equivocada, porque los hechos relatados en esta cinta, por el cineasta Nick Broomfield[1], hacen parte de la historia que se vive diariamente en la Guerra de Irak[2]: una guerra que lleva a cuestas miles de muertos y/o heridos por culpa del descontrol (mental, emocional y político) de sus contendientes: por un lado, los Estados Unidos, bajo el mando de su presidente George Bush, y sus deseos de imponerse y “colonizarse” en una región del mundo que no los vio nacer; y por otro, los iraquíes y su famosa idea de generar la “Guerra Santa”[3] como herramienta de defensa ante la legión invasora.

Sigo observando y descubro que Broomfield impacta nuestros sentidos con imágenes en primer plano[4] y plano general[5], que permiten captar al receptor un ámbito más real y sensible de la guerra, ya que en ella, los sentimientos están a ‘flor de piel’.

La música proporcionada por Nick Laird-Clowes para recrear el ambiente bélico de este film, conmueve las fibras del sentir humano y nos introduce en aquel ámbito hostil y desértico de Irak: aquellos toques tan particulares de la cultura iraquí se ven reflejados en las canciones compuestas por Laird-Clowes en su álbum titulado Battle for Haditha[6], el cual contiene temas destinados para cada una de las ocasiones representativas en la película de Broomfield. Claro ejemplo de esto, es el uso del track número cinco de este Cd (Nightraid) para presentar a los marines estadounidense en su convoy por el desierto iraquí; escena con la que se da inicio a la trama fílmica.

Siguen pasando los minutos; pero la cámara de filmación, usada para capturar los instantes de la Batalla de Hadiza, se convierte en el médium para introducirme en cada una de las escenas del filme: es tan perfecto su uso, que permite la “presencia ausente” del espectador en cada una de las situaciones que viven los marines y los iraquíes en este combate. ¿Y qué decir cuando captura aquel resplandor de los disparos y las explosiones en el rostro de las víctimas civiles iraquíes? No hay palabras para describirlo… sólo puedo decir que me impactó y que será imperdonable olvidar aquellas imágenes frías y carnales que vi.

Ahora comprendo el valor y los alcances de una amistad. Eran tan fuertes los lazos que unían a los marines estadounidenses con su compañero muerto, en el ataque propiciado por los insurgentes iraquíes, que se llenaron de sentimientos equívocos e irracionales, ocasionando así una masacre brutal: 24 iraquíes (entre ellos mujeres y niños) murieron como resultado de una venganza para cobrarle al mundo la pérdida de su ser querido.

Llega el final y con él un sinnúmero de preguntas que quiero resaltar: ¿es tan fuerte la manipulación Estatal (E.U.) sobre los medios de comunicación?, ¿por qué se silenció la verdad de los hechos?, ¿será posible condenar a los verdaderos culpables de estos crímenes?, ¿quiénes son los dueños reales de estos actos brutales y atroces?, ¿dónde está el amor por el prójimo?, ¿cuándo acabará la guerra?, ¿es necesario recurrir a las armas para lograr un prometido?, ¿dónde está la intervención de la ONU para proteger los derechos humanos de aquellos seres indefensos?, ¿por qué asesinar a quienes no son parte armada del conflicto?...

Se prenden las luces y, con ellas, llega a mi mente un sentimiento de tristeza y desilusión por los seres indolentes que habitan este mundo…



[1]Director, guionista y productor británico.
[2]Para más información sobre la Guerra de Irak, visitar el siguiente link: http://html.rincondelvago.com/guerra-de-irak_4.html
[3] …en los tiempos modernos se ha usado también como un modo de definir diferencias culturales e históricas entre combatientes, sin que sea la religión necesariamente la causa principal… Para más información sobre el término Guerra Santa, visitar el siguiente link: http://es.wikipedia.org/wiki/Guerra_santa
[4] ‘Close Up’: toma a partir de donde termina el hombro hasta arriba de la cabeza.
[5] ‘Wide Shot’: encuadre abierto que enseña además del personaje principal que se está tomando, los elementos a su alrededor.
[6] Álbum compuesto por 18 canciones inspiradas en la Batalla de Hadiza. Para más información, visitar el siguiente link: http://es.7digital.com/artists/nick-laird-clowes/battle-for-haditha-1/17-Ahmed-Goes-Home/

LA BATALLA DE ARGEL

Película captada en blanco y negro que retrata los orígenes, el desarrollo y el fin del enfrentamiento entre el Frente de Liberación Nacional (FLN) de Argelia y las autoridades coloniales francesas en la ciudad de Argel entre 1954 y 1957.

Fue filmada y dirigida en Argelia por el realizador italiano Gillo Pontecorvo. La cinta intenta ser una reflexión sobre cómo la guerra embrutece a todos aquellos que participan en ella. Además, el film pretende testimoniar la larga lucha de Argelia en pro de su independencia colonial.

Como resultado se obtuvo una de las mejores películas sobre colonialismo, terrorismo y movimientos revolucionarios de todos los tiempos. Aunque está rodada a la manera de documental, la acción no pierde ritmo en ningún momento de la película.

Su exhibición en Francia fue vetada hasta el año de 1971. Las escenas de torturas fueron censuradas en Estados Unidos y el Reino Unido. En España no fue exhibida hasta mucho después de la muerte de Franco.

El film ganó el León de Oro a la mejor película en la Muestra de Venecia de 1966.

La historia comienza por el final: situando la acción en el 7 de octubre de 1957 el coronel Mathieu y sus paracaidistas ocupan la Casbah[1], y acompañados por un árabe torturado, alcanzan la trinchera de los últimos dirigentes del FLN para detener a Omar Alí La Pointe, su último líder que se mantiene en pie. Con un primer plano de La Pointe, que refleja la toma de conciencia y las consecuencias de su implicación en el movimiento nacionalista argelino, surge un largo flashback que se extiende por casi todo el metraje. La acción retrocede a 1954, época en la que La Pointe es un trilero[2], que después de ser detenido por la policía y pasar por la cárcel, se afilia al FLN.

Entre 1956-1957 tuvo lugar lo que se conoce como la “Batalla de Argel”: los ataques terroristas del FLN contra objetivos civiles y militares franceses fueron contestados de forma brutal por la Décima División de Paracaidistas Galos. La tortura generalizada y la ejecución sumaria de centenares de sospechosos se convierten en recursos normales en la acción del ejército francés.
Además, innumerables mujeres hacen su aporte a la liberación, creando las condiciones para un poderoso movimiento a favor de los derechos femeninos.

Inclusive, los colonos se ven desbordados por un pueblo que está decidido a alcanzar su independencia, fundamentalmente a través del FLN, y sus derechos al precio que sea, ya que los habitantes de Argel han entrado definitivamente en el camino de la independencia. Así, argelinos y legionarios se incitan en una brutal contienda, en la que la persecución, la traición y el asesinato serán las armas más empleadas.

En Argelia, los colonos tienen la noción física y militar: los soldados franceses piensan que si logran enmendar a los terroristas de la Casbah, ganarán. El conocimiento del espacio que tienen los insurgentes, en cambio, es histórica y civil: mientras impriman en las masas oprimidas la sensación de anomalía y aberración que constituye la centenaria presencia francesa en su tierra, la lucha por la liberación continuará.

Así, los franceses ganarán la batalla de Argel, porque exterminarán a los insurgentes, pero en 1962 tendrán que abandonar la tierra de Argel.


[1] El distrito musulmán de Argel.
[2] El encargado del Trile: juego callejero de apuestas fraudulentas que consiste en adivinar en qué lugar de tres posibles se encuentra una pieza manipulada.